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Dark Knight: Wenn Bilder das Sprechen verlernen

christian — Sun, 28 Sep 2008 12:22:12 +0000

Zeit des dunklen Ritters, wenn die Welt schön explodiert und dunkel ins Chaos stürzt. Ein Chaos, das nicht hereinbrechende Apokalypse ist, sondern aus dem Fundament hervorkriechende Sinnlosigkeit. Sinnlosigkeit, die eben nur dann erscheint, wenn das Erklärungsmuster nicht mehr greift und die Zuschreibung von Sinn fehlschlägt; wenn eben das verloren geht, was die Gesellschaft Gotham Citys im Fundament verbindet.

Wenn Joker während eines Banküberfalls auf überraschende Weise dafür sorgt, dass der Beuteanteil seiner Komplizen gen Null geht, obwohl er nicht am Geld interessiert ist, dann betritt ein Schurke die Leinwand, der das Muster auflöst, mit dem wir Schurken auf der Leinwand begreifen. Ein Schurke, der uns nicht den Gefallen tut, lediglich Gegner im Spiel zu sein, der nicht der Logik der Ökonomie folgt, der nicht homo oeconomicus, sondern ein anderer ist. Allem Anschein nach sollte Joker ein anderer sein.

Vor diesem Hintergrund wird eine Nähe zu Filmen wie No Country for Old Men oder Eastern Promises unterstellt. Das Verstörende dieser Filme liegt nicht so sehr in ihrer rohen Darstellung der Gewalt, als vielmehr im Verlust des Eindeutigen: Unmöglichkeit eines Verstehens ohne Rest. Auch Unmöglichkeit den gestrickten Plot aufzutrennen, um dann endlich den ununterbrochenen Faden von Ursachen und ihren Wirkungen vor sich zu haben.

No Country for Old Men und Eastern Promises sind nicht gebrochene Filme, sondern Filme, die den Zuschauer mit einer ähnlichen Verstörung alleine lassen, wie die Lebenswirklichkeit auch. Bei aller unterstellten Nähe zu diesen Filmen, Dark Knight kann diese Verstörung nicht im Ansatz auf die Leinwand projizieren.

Weshalb es beinahe gelungen wäre, lässt sich an Heath Ledgers Joker zeigen. Weshalb es nicht im Ansatz funktioniert, zeigt sich in seiner Einbettung in den Rest des Films. Dass Heath Ledgers Umsetzung des Jokers auf visueller Ebene großartig ist, wurde schon geschrieben. Und so waghalsig eine Interpretation sein mag, die eine direkte Verbindung zwischen Filmrolle und unerwartetem Tod herstellt, so zwingend erscheint sie mir. Nicht, weil sich die Rolle des Jokers auf Heath Ledger auswirkte, sondern weil sich die Rezeption des Jokers nicht vom Tod Heath Ledgers frei machen kann. Der posthume Auftritt eines Schauspielers ist unheimlich. Wie schon Brandon Lees Auftritt in The Crow umgibt auch Heath Ledger in Dark Knight die Aura des Wiedergängers.

Was macht aber der Film aus dem Auftritt dieses großartigen Schurken? Während der ersten Filmminuten scheint wirklich ein Bösewicht aufzutreten, der aus den uns gewohnten Erklärungsmustern fällt. Das einzige Wort zur Beschreibung, das in den ersten Momenten bleibt, ist “böse” — dieses Wort, das immer bemüht wird, wenn nicht mehr gewiss ist, wie mit dem umgehen, das da vor uns tritt.

Es dauert nur kurz, bis der Film abbricht, bis alle anfangen in Vater-Sohn-Dialogen zu erklären, was falsch ist, an diesem Joker. Was ihn so böse macht. Weshalb er so agiert, wie er agiert. Jeder Zug des unbekannten Spielers wird noch im Film in eine Handlungslogik gepresst, die keine Verunsicherung mehr zulässt. Im Augenblick als die Welt begriffen ist, ist klar, wie die Geschichte zu Ende geht. Schlimmer noch: Den Bildern ist ihre Kraft genommen. Sie werden zur bloßen Dekoration der Worte. So verstörend Joker ist, so harmlos wird er durch das Wort, das sich über sein Bild schiebt und als wahr sprechender Kommentar Bedeutung gibt.

Bei Dark Knight dauert es fast noch zwei Stunden, bis man von der Abfolge hübscher Explosionen befreit wird. Im letzten Bild, selbst noch im Augenblick des Rücktritts des gebrochenen Helden, erklärt der Vater dem Sohn, wieso es so ist, wie es ist. Mehr noch: Wieso es gut ist, wie es ist. Das alte Beruhigungsmittel, das das Wort an den Anfang setzt und Sinn stiftet, verdrängt die Offenheit des Bildes – und hinterlässt einen Film, der bestenfalls harmlos ist, weil seine Bilder das sprechen verlernt haben.

Der Schein des Goldes & das Geld des kleinen Mannes

christian — Tue, 15 Jan 2008 20:53:48 +0000

Ein schönes Hörstück amerikanischer Gewerkschafts- und Filmgeschichte hat Jörg Taszman geschrieben und lässt es beim Deutschlandfunk hören: Streik der klugen Köpfe — Zeitenwende in der US-Filmbranche. — Und auch wenn mir die Golden Globes herzlich egal sind, trieb es mir doch das Schmunzeln ins Gesicht, als ich auch im Deutschlandfunk Roland Huschke über die Golden Globes hörte. Wenn er sagt, dass “die Golden Globes an sich (…) in der Branche keinen großen Wert (haben)”, dass “die (…) nicht wirklich ernst genommen” werden, dann ist es die Freude der Bestätigung der eigenen Meinung, die ja immer gut tut. Wenn er dann das gleiche über die unsägliche goldene Kamera sagt, dann freut’s mich noch ein bisschen mehr …

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Am Anfang war nicht das Wort, sondern das Bild – im ostasiatischen Film

christian — Thu, 08 Feb 2007 08:34:31 +0000

Auf der diesjährigen Berlinale gibt es ein Spezial zum koreanischen Film. Im Herbst brachte Martin Scorsese mit „The Departed“ ein remake des HongKong-Klassikers Infernal Affairs in die Kinos, Wong Kar-Wai arbeitet an seiner ersten großen Hollywood-Produktion … der asiatische Film ist allgegenwärtig.
Und er ist anders.

Audio-Datei herunterladen (oasiafilm.mp3)

Vielen Dank an dieser Stelle an Nina Lobinger von RapidEyeMovies für das Interview.

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Nach der Hochzeit: Eine Entscheidung

christian — Thu, 01 Feb 2007 20:38:42 +0000

Über den Film »Nach der Hochzeit«

Warum entwickeln Filme Intensität? Manchmal ist es die geniale Montage, manchmal ein unglaubliches Drehbuch, dann wieder ein Regisseur, dessen Handschrift man noch in jedem Gesichtszug der Schauspieler zu finden glaubt. – Natürlich ist das Geheimnis eines guten, intensiven, in Erinnerung bleibenden Films meistens ein geglücktes Zusammenspiel, all‘ der Komponenten, die einen Film eben ausmachen. Doch manchmal, manchmal ist ein Film intensiv, weil dort, im Film, auf der Leinwand ein Charakter zu sehen ist, der sich in die Erinnerung einbrennt.

Jacob ist ein solcher Charakter. Der Film »Nach der Hochzeit« beginnt in Indien, zeigt Erwachsene, die versuchen Kinder in einem Armenviertel zumindest mit dem Notwendigesten zu versorgen.
Jacob, ein Mensch, mit einem Gesicht, das älter ist, als er selbst. Er ist alleine, scheint allen Menschen verschlossen, bis auf die Kinder, die er in einem Waisenhaus betreut.

Wie Jacob nach Indien gekommen ist, wissen wir nicht, wir kennen seine Vergangenheit nicht und er scheint sich auch nicht nach seiner Vergangenheit zu fragen, bis er …

…. bis er – gegen seinen Willen – nach Dänemark muss, um mit einem Unternehmer die Finanzierung des Waisenhauses zu besprechen. Er zögert, weigert sich, will nicht in seine Heimat, wo er doch hier, in Indien, bei den Kindern ein zu Hause gefunden hat.

Als er wieder in Dänemark ist, ändern sich die Farben, die Menschen, die Lebensumstände, die Welt ist Jakob fremd geworden. Besser: Er ist der Welt fremd geworden. Ob Zufall oder nicht, Jacob wird von seiner Vergangenheit eingeholt.

Menschen, die lange gebraucht haben, um sich im Leben zu orientieren und dann, endlich, als sie ein zu Hause gefunden haben, erneut wieder jeden Halt verlieren und ob sie wollen oder nicht, Entscheidungen, Lebensentscheidungen treffen müssen. Darum geht es in Susanne Biers Film „Nach der Hochzeit“. Ein Film, der alleine wegen seines Themas stets eine Gratwanderung zwischen Kitsch und plattgetretenen Klischees auf der einen und Rührseligkeit auf der anderen Seite sein muss. Es ist Susanne Bier und dem Drehbuchautor Anders Thomas Jensen anzurechnen, dass ihnen diese Gratwanderung geglückt ist. – Ohne dem Hauptdarsteller Mads Mikkelsen wäre der Film wahrscheinlich aber dennoch nicht geglückt. Es ist sehr lange her, dass ein Schauspieler einen Film auf solche Weise dominiert hat, und das im Positiven.

Wenn man fragt: Was ist es nun, was einem Film Intensität gibt? Dann kann man für den Film »Nach der Hochzeit« eine eindeutige Antwort geben: Die unglaubliche Präsenz des Schauspielers Mads Mikkelsen.

Weitere Links zum Film
Universum Film

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Perspektivwechsel #1 – Babel

christian — Tue, 16 Jan 2007 11:21:50 +0000

Manchmal ändert sich mit der Perspektive die Welt. Natürlich, will man sagen, ändert sich »eigentlich« nicht die Welt. Was sich ändert, ist nur das, was man von dieser gleich bleibenden Welt sieht. – So weit scheint das offensichtlich, allgemein bekannt und wohl auch akzeptiert.^[1]

Was aber, wenn sich das, was wir von dieser Welt sehen und wie wir über die Welt denken durch den Wechsel einer Perspektive so weit verändert, dass wir vielleicht nicht mehr sicher sind, ob die Welt wirklich so ist, wie sie ist?

Ein schönes Beispiel für einen Perspektivwechsel ist in Alejandro González Iñárritus Film Babel zu sehen. In einem seiner vier Erzählstränge gibt der Film eine unterschwellige und treffende Kritik an der Verwendung des Begriffs »Terrorismus«.
Der Film zeigt nicht, dass der Terrorismus eigentlich so ist – oder vielleicht doch so. Stattdessen zeigt er einen sich aus dem Film scheinbar von ganz alleine ergebenden Perspektivwechsel, der die Sicherheit über den Begriff »Terrorismus« erschüttert.

Ein unglücklicher Zufall lässt den von zwei kleinen marokkanischen Jungen abgegebenen Gewehrschuss zum terroristischen Akt werden. Tatsächlich gleicht die Einordnung des Gewehrschusses als terroristischer Akt dem Versuch das Unerklärbare erklärbar zu machen. Drei Parteien und damit auch drei (fast) von einander unabhängige Perspektiven zeigt der Film:

Die erste Perspektive ist die der beiden Jungen, die in kindlichem Leichtsinn auf einen Reisebus schießen, um das neue Gewehr ihres Vaters zu testen, das angeblich auf 3000 Meter genau trifft.

Die zweite ist die der getroffenen Frau und ihres Ehemannes. Ihnen ist es gleich, wer es war und warum dieser Schuss abgegeben wurde. Ihr einziges Interesse liegt im Überleben der (fast) tödlichen Verletzung.

Die dritte Perspektive ist die der Weltpolitik. In einer Sichtweise, die alles als Wirkung sieht und daher konsequent nach Ursachen sucht, ist kein Platz für den Zufall und es ›muss‹ ein Erklärungsmuster für diesen Zwischenfall geben. Der Begriff des Terrorismus erlaubt eine Einordnung und damit eine Reaktion und Handlung.

»Versuche nie durch Konspiration zu erklären, was auf Chaos oder Inkompetenz zurückgeführt werden muss.«^[2]

Der im Film durch die Montage hervorragend inszenierte Perspektivwechsel illustriert, wie die Suche nach ›Erklärung‹ begriffliche Konstruktionen über Ereignisse ~~stülpt~~ stülpen kann, um die Welt wieder begreifbar zu machen. Im Fall des Films ist der Begriff, der eine Erklärung möglich macht der »Terrorismus« und die Annahme einer (bösartigen) Motivation, wo doch die Ereignisse durch bloßen Zufall entstanden sind.

Der Perspektivwechsel, der im Film vollzogen und für den Zuschauer nachvollziehbar gemacht wird, geht weg von dem Bild der Wirklichkeit, das in den (Welt)Nachrichten präsentiert wird und geht hin zu den kleinen, für den Lauf der Welt (fast) unbedeutenden Ereignissen und zeigt auf diese Weise eine Welt des »Terrorismus«, in der kein Terrorismus ist.

Wie oft, so scheint der Film zu fragen, erklären wir Ereignisse, die nicht Wirkung einer Ursache sind? – Wie oft (v)erklären wir den Zufall zu einem geordneten Muster? Die Frage bleibt unbeantwortet; sie muss unbeantwortet bleiben und hinterlässt doch eine Verunsicherung, eine Unwägbarkeit in der Erklärung, die wir für die Welt haben.

post scriptum
Zugegeben: Beim Begriff des »Terrorismus« ist die Verunsicherung durch einen Perspektivwechsel einfach. Zum einen, weil »Terrorismus« ein inflationär gebrauchtes Wort ist. Zum anderen, weil es ein Begriff ist, der durch die Unschärfe seiner Definition^[3] wohl dazu verleitet, als Erklärungsmuster für sehr vieles missbraucht zu werden.
Was aber (für mich spannend) bleibt, ist der Beispielcharakter des in »Babel« vorgeführten Perspektivwechsels.

Auf dem Blog Metalust & Subdiskurse ist in der Folge eines Eintrags zu Bild & Text eine Diskussion zu der Frage entstanden, ob man Bilanzen unter ästhetischen Gesichtspunkten betrachten kann. Eine solche Betrachtung entspräche einem Perspektivwechsel. Ein Wechsel der Perspektive allerdings, bei dem nicht so klar ist, welchen Gewinn er bringen mag. Mit der Reihe »Perspektivwechsel« möchte ich versuchen einige Perspektivwechsel ein wenig zu erläutern, – auch um mir selbst ein etwas klareres Bild von den Grundlagen eines Perspektivwechsels im Fall von »Ästhetik & Bilanzen« zu schaffen. [zurück]
Josef Joffe im Tagesspiegel am 6. März 2006 [zurück]
siehe hierzu auch Das Parlament, Nr. 36, 2006 [zurück]

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Unter Feinden. — Auf der Suche nach dem Oscar.

christian — Wed, 06 Dec 2006 08:58:30 +0000

In der Welt rund um das Kino herum gibt es ein paar Running Gags. Einer ist die Frage, ob Martin Scorsese nun endlich den Oscar bekommt. Morgen läuft sein läuft sein neuer Film an. Departed – unter Feinden ist ein Remake des HongKong-Thrillers Infernal Affairs.

Audio-Datei herunterladen (departed_lang_lo.mp3)

Mach Dich, nein, Deine Seele nackig!

christian — Fri, 12 May 2006 21:10:34 +0000

Über den Film Tarnation …

Nun, um eine lange Geschichte kurz zu machen: Verstört bin ich gerade nach Hause gekommen. Tarnation war das krasseste Kinoerlebnis, das ich in den vergangenen Jahren hatte. In einem Satz müsste man wohl sagen: Ein Dokumentarfilm gedreht (oder geschnitten) in Video-Clip-Ästhetik. Auch wenn es so was in der Kinogeschichte bisher wohl noch nicht gegeben hat, bringt dieser eine Satz “Tarnation” doch noch in keinster Weise auf den Punkt.

Also wird die Geschichte doch länger: Um kurz vor vier kam ich heute Nachmittag also ins Neue Arena. Der Kinobetreiber begrüßte mich nur mit den Worten: „Ah, immerhin einer, der kommt.“
Man könnte hier wohl auch eine Diskussion über die Rezeption von unbekannten Filmen/Regisseuren in der deutschen Filmkritik eröffnen … aber zurück zu diesem Kinoerlebniss: In den folgenden zwei Stunden saß ich alleine im Saal des Neuen Arenas und vergrub mich im Kinosessel und gab mich den Schauern und dem Schaudern hin. Die Geschichte des Films in einem Satz: Die Biographie des Regisseurs. Als er drei Jahre alt war, wurde seine Mutter vor seinen Augen vergewaltigt. Anschließend kam er ins Heim, sie in die Psychiatrie und wurde dort über Jahre hinweg mit Elektroschocktherapien behandelt. Er wurde in Pflegefamilien misshandelt und begann mit knapp zehn Jahren die ersten Aufnahmen von sich zu machen: Im Dunklen steht ein als Frau verkleideter Junge vor der Kamera und erzählt davon, dass er/sie schwanger ist und davon, dass der Ehemann sie in den Bauch getreten hat. Er/Sie bricht in Tränen aus, gibt sich der hysterischen Verzweiflung hin und … Moment des Unfassbaren … es folgen minutenlange Schnittfolgen aus höchstens halbsekündigen Bildfragmenten …

Bevor die Geschichte zu lange wird: Als Epileptiker sollte man sich diesen Film nicht ansehen, er geht, schon wegen der Reizüberflutung ans Eingemachte. Das Wunderbare an dem Film ist aber – so wie ich das sehe – nicht die Geschichte, die einen verstummen lässt, sondern die Nüchternheit, die Ferne jeglicher Sentimentalität, trotz dieser Biographie. Vielleicht könnte man auch sagen: Ein Psycho-Porno. Oder: Ein Grenzgang zwischen Psychographie und Anti-Psychiatrie. Ein Film, der inhaltlich tief geht, aber nicht Trauer, Stummheit oder gar schlechte Laune, sondern einen kurzen Moment der Leere hinterlässt …

Um noch einmal länger zu werden: Was macht “Tarnation” nun aus? Und gleich hinterher: Wer das jetzt, so wenige Stunden nach diesem Film schon sagen kann, der hat diesen Entwurf auf die Zukunft des Dokumentarfilms aus dem Jahr 2003 schon verstanden. Ich bin dagegen immer noch überwältigt. Zwei Ebenen scheinen mir im Augenblick das ‚Geheimnis’ von Tarnation auszumachen.
Zum einen ist das die Schilderung, die fast pornographische Darstellung der Seelen zweier Menschen. Zweier Menschen, die in keiner geringeren Verbindung als der zwischen Mutter und Sohn stehen. Zweier Menschen, die ihre Verzweiflung in dem je anderen spiegeln und auf diese Weise die Skepsis oder gar Feindschaft gegenüber der Psychiatrie und den vermeintlichen Seelengesetzen kaum prägnanter zum Ausdruck bringen könnten.
Die andere fantastische Seite des Films ist die Loslösung von den bekannten narrativen Techniken des Mediums Film. Die Geschichte wird nicht über die Bilder vorangetrieben, sondern über, dem Film selbst fremde, von außen hereinbrechende Schlagzeilen erzählt, die knapp und gerade deswegen in so großer Distanz den “Plot” dieser Biographien vorantreiben. Während so die Jahre am Zuschauer in nüchternen Zahlen vorüberblättern, ziehen sich die Bilder des Films in einen Bereich zurück, der in gängigen Filmen der Tonspur überlassen ist. Die Geschichte steht ohne Anteilnahme schwarz auf weiß auf der Leinwand. Die Details verbleiben der Bildmontage, die sich losgelöst von jeglicher Narrativik in einem Rausch entfalten, der sich seinen Weg direkt in die affektive Wahrnehmung des Zuschauers sucht. Es bleiben Bilder, die sich in das Gedächtnis einbrennen, nicht weil sie so schön und perfekt wären, sondern weil sich Jonathan Caouette der Technik des Blitzes bedient. Zwischen den Fluss der Zeit des bewegten Bildes montiert er erschütternde Gesichter, so kurz, dass man sich der unbewussten Wirkung des zwischengeschnittenen Bildes gerade noch bewusst wird.

So … und nun? Was passiert mit diesem Film. Ein einziger Besucher in der “Pressevorführung”. Mehr als drei Kopien wird es deutschlandweit wohl nicht geben. Die einen werden ihn in den Himmel loben, die anderen gnadenlos verreißen – ganz gewöhnlich bei Brüchen, die sich im Bekannten abzeichnen. Nur, eines wird bleiben: Wenig Zuschauer, fast keine Zuschauer. Weiter nicht tragisch kann man sagen, wo doch der Film in der Produktion gerade einmal 218 US-$ gekostest hat. Man könnte auch sagen: Mit dem Unangenehmen setzt man sich nicht gerne auseinander, also lasst uns über das Neue schweigen. Diese Unruhe wollen wir nicht; lasst uns beim Alten, beim Bewährten bleiben, denn hier – hier trifft das Kino auf seinen großen Feind: Die Zerstörung der Fiktion, die unsere Realität bestätigt.

— — —
NACHTRAG: Nun, wenig Zuschauer sagte ich? Ich habe zuversichtlich übertrieben, sagen die Kinoprogramme. – In München läuft der Film nicht.

USA 2003
R,B,K,S,P: Jonathan Caouette
M: John Califra, Max Avery Lichtenstein, Stephin Merritt
88 Min, Arsenal ab 8.6.06

Zathura, oder: Was das Kino nicht braucht.

christian — Thu, 02 Feb 2006 06:03:58 +0000

Zathura möchte ein spannendes Weltraumabenteuer sein, für die ganze Familie. Die Geschichte ist einfach gestrickt: Zwei Brüder, die sich bei jeder Gelegenheit streiten, eine ältere Schwester, die für den ganzen Kinderkram irgendwie schon zu alt ist und ein Vater, der viel um die Ohren hat. Eines Nachmittags entdeckt Walter der süße der beiden Brüder in dem alten Haus des Vaters ein Spiel namens Zathura. Nachdem Walter alleine zu spielen begonnen hat, finden sich die beiden Brüder mitsammt ihrer schockgefrosteteten Schwester im Weltraum wieder. Das Abenteuer kann beginnen. Erst fliegt das Haus, das zu ihrem Raumschiff geworden ist, durch ein Meteoritenfeld, dann stoßen sie auf einen Astronauten, der ihnen im Kampf gegen die blutrünstigen Zorgonen hilft.

So geht’s dahin. Und wen wundert’s, am Ende sind die beiden Brüder zu besten Freunden geworden. Nur das war sie noch nicht, die Moral der Geschicht. Denn die Basis ihrer neu entdeckten Freundschaft, so scheint’s konnte nur ein äußerst männliches Abenteuer, eine tödliche Herausforderung sein. Man glaubt fast, dass es hier zugeht, wie im Krieg. Zwei Kriegsfreunde, durch die gemeinsamen Abenteuer für immer verbunden. Das ist dann als Geschichte für Kinder nicht nur magenverstimmend, sondern schlichtweg geschmacklos.

Doch noch einmal zu dem Abenteuer. Spätestens als die im Presseheft als blutrünstige Aliens beschriebenen Zorgonen auftauchen, wird das Abenteuer spannend. Regiseur John Favreau greift tief in die Schublade mit der Aufschrift: Wie wird ein Film spannend. Der Film wird spannend, erreicht einen Höhepunkt und fällt dann wieder ab. Alles wie im Lehrbuch. Nur eben auch alles bekannt. Soweit ist der Film noch keineswegs erwähnenswert. Nur dadurch, dass sich Zathura eben auch an Kinder richtet, kommt ein gewisser Zweifel. Denn so spannend der Film auch sein mag. Spannung alleine ist noch kein Qualitätsmerkmal. Denn wen es so wäre, dann müsste auch achtzig prozentiger Strohrum der empfehlenswerte Alkohol sein, weil er eben garantiert betrunken macht. Und Zathura ist wie dieser Strohrum. Trunken macht er in jedem Fall, seine Spannung nimmt jeden, egal wie abgestumpft mit. Nur wäre es nicht wünschenswerter gerade Kindern Geschichten auf etwas subtilere Weise zu erzählen?

Mit Zathura kann man die altbekannte Diskussion wieder eröffnen. Welche Filme sind für Kinder geeignet? In diesem Film fließt zwar kein Blut, aber mit diesem Film stellt sich die Frage, ob es denn wirklich der billige Strohrum sein muss, den man Kindern im Kino verabreicht?

Gabrielle — Liebe meines Lebens

christian — Tue, 10 Jan 2006 08:44:30 +0000

Der Opern-, Theater und Filmregisseur Patrice Chereau dürfte den meisten durch seinen Film Intimacy in Erinnerung geblieben sein. Sein neuer Film Gabrielle – Liebe meines Lebens greift wieder das Thema der Liebe auf. Diesmal allerdings in einer denkbar anderen Spielart als in Intimacy.
Der Film Gabrielle – Liebe meines Lebens erzählt nach einer Vorlage Joseph Conrads die Geschichte einer scheiternden Ehe der Pariser Bourgeoisie im Jahre 1912. Gabrielle (Isabelle Huppert) und Jean (Pascal Gregory) sind seit zehn Jahren verheiratet. Glücklich verheiratet, sagt Jean. Jean ist auf der Höhe seines Lebens. Gabrielle füllt mit ihrem Charme die ihr zugedachte Rolle als Hausdame aufs Beste.

Jean ist stolz auf seine Frau. Er spricht von ihr, wie ein Sammler über das beste Stück seiner Sammlung. Dass seine Ehe kein Intimleben hat, stört ihn nicht weiter. Er hat sich daran gewöhnt. Jean hat sich so sehr an diese Ehe gewöhnt, dass ihm der Blick hinter die makellose Fassade erst wieder möglich ist, als er einen Abschiedsbrief Gabrielles findet. Sie hat ihn verlassen, sie sucht Liebe. Liebe, die sie bei Jean nicht finden kann. Und doch schafft es Gabrielle nicht ihr großbürgerliches Gefängnis zu verlassen, sie kommt wieder zurück.

Nachdem Gabrielle zurückgekehrt ist, verfliegt der Mantel der glücklichen Ehe. Es bleibt Hass, der seine Befriedigung nur noch in der Zerstörung findet. »Hätte ich gewusst, dass Sie mich lieben, wäre ich niemals zurück gekommen« sagt Gabrielle zu Jean als sie zurückgekommen ist. Doch er, er hat sie geliebt. Genau genommen fängt er an, sie zu lieben. Er entdeckt die Liebe durch die Eifersucht.

Schnitt für Schnitt weicht die unter ihrer Ehe leidende Gabrielle einer Frau, der nur noch ein kaltes und tragisches Lächeln über die Schwäche ihres Mannes bleibt. Die Destruktion der zehn gemeinsamen Jahre, die finale Zerstörung der gemeinsamen Ehe hilft zwar der Wahrheit ans Licht, aber zufrieden oder gar glücklich macht sie keinen der Beiden.

Zu Beginn lässt der Film keine Möglichkeit aus, die Sehgewohnheiten des Zuschauers zu verstören. Ungewohnte Wechsel der Einstellungen und der Wechsel zwischen Farbe und Schwarz-Weiß geben den Bildern, des schon aus Intimacy bekannten Kameramanns Eric Gautier eine fast unvergessliche Intensität. Leider haben es Chereau und Gautier nicht geschafft diese Intensität über den ganzen Film aufrecht zu erhalten. Dieses Manko kann auch die grandiose Darbietung Isabelle Hupperts und Pascal Gregorys nicht ausgleichen. Gegen Ende wird der Film fast nur noch von dem Gespräch der beiden getragen. Dabei handelt es sich nicht um authentische Dialoge, sondern um konstruierte Monologe, die sich von der Theaterbühne in das Filmstudio geschlichen haben und dort ihre verstörende Kraft entfalten.

Gabrielle. F/I/D 2005. R: Patrice Chéreau. B: Anne-Louise Trividic. K: Eric Gautier. S: Françoise Gédigier. M: Fabio Vacchi. P: Network Movie u.a. D: Isabelle Huppert, Pascal Greggory, Claudia Coli, Thierry Hancisse u.a. 90 Min.

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Alles ist erleuchtet – Wo bleibt das Licht?

christian — Tue, 13 Dec 2005 08:47:05 +0000

Alles ist erleuchtet. Es gibt das Buch Jonathan Safran Foers und es gibt (jetzt) auch den Film. Und wie so immer bei Verfilmungen von Klassikern oder Bestsellern, stellt sich die Frage, wie gut die Umsetzung der mächtigen Vorlage gelungen ist. Wenn man den Roman Alles ist erleuchtet aber nicht gelesen hat, bleibt einem nur, den Film als Film zu betrachten, die Verfilmung so zu betrachten, als ob es den Roman nicht gäbe.

Die Geschichte.
Der Protagonist Jonathan Safran Foer (Elijah Wood) ist Sammler und lebt in New York. Er sammelt Erinnerungen an Familienmitglieder. Nachdem seine Großmutter gestorben ist macht er sich auf die Suche nach der Frau, die seinem jüdischen Großvater in der Ukraine das Leben gerettet hat. Die Geschichte eröffnet einen vielfältigen Themenkreis. Es soll um die Bedeutung der Erinnerung, um Freundschaft, um Liebe und um den Holocaust gehen und sich dabei auch noch in komischer Weise nähern. Kurz: Die Geschichte stellt große Ansprüche an den Film.

Der Film.
Der Film möchte komisch sein, dass betont er schon in den ersten Sekunden. In der übertrieben dicken Brille Elijah Woods spiegelt sich der Film. Er erreicht seine Ziele mit dem Mittel der Übertreibung und schießt dabei leider über das Ziel hinaus. Nicht nur die Requisiten, auch die Charaktere und vor allem die Bilder leiden an Überwürzung. Nicht, das der Film schlecht wäre, nur, es ist zu viel Salz in der Suppe.
Der Film hat viele komische Momente, das steht außer Frage. Aber wie der durchdesignte Geschmack eines Burgers beeindruckt der Film zu Beginn, um dann umso deutlicher seine Leere zu offenbaren. Die Dialoge erreichen nur selten eine Tiefe, die den Zuschauer am Konflikt teilnehmen ließe. Für die Komik mag das nicht so entscheidend sein, doch der Film hat sich mehr als das vorgenommen. Den schweren Fragen des Films nach der Erinnerung, der Liebe, Freundschaft und dem Holocaust kommt im Film entweder der Charakter einer Begleiterscheinung der Komik zu, oder ihnen begegnet der Film auf eine Weise, die nicht viel mehr als das Klischee noch einmal auferstehen lässt. An einer Hand abzählbar sind die wirklich starken Momente des Films.

Fazit?
Liv Schreiber ist um sein Regie-Debut sehr bemüht. Und, wen wundert es, übertrieben bemüht, es wirkt gewollt. Zum Leid von Elijah Wood muss gesagt werden, dass er nicht aus dem Schatten Frodos heraus treten konnte. Spätestens als er sich gegen Ende des Films am Flussufer nach vorne beugt um ein bisschen Sand einzusammeln, ist es Frodo, der da kniet. Und dennoch: Alles in allem bleibt der Film sehenswert. Solange man nicht empfindlich auf Geschmacksverstärker reagiert, gibt einem Alles ist erleuchtet 106 Minuten Unterhaltung. Aber eben auch nicht mehr.

Everything is Illuminated. USA 2005. R,B: Liev Schreiber. K: Matthew Libatique. S: Andrew Marcus, Craig McKay. M: Paul Cantelon. P: Big Beach. D: Elijah Wood, Eugene Hutz, Boris Leskin u.a. 106 Min.

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Winterkinder – die schweigende Generation

christian — Mon, 05 Dec 2005 21:49:14 +0000

Winterkinder – die schweigende Generation. Ein Film, der an und mit der Erinnerung arbeitet. Wer war Opa? Diese Frage stellt sich Regisseur Jens Schanze. Sein Großvater ist früh gestorben, er hat ihn nicht kennengelernt. Die einzige, die ihn wirklich gekannt hat, ist seine Mutter. Aber sie spricht nicht über ihn.
»Ich möchte gern einen Film machen über unsere Familie und Deinen Vater und unsere Erinnerung an ihn und ich wollte fragen, ob Du da mitmachen möchtest?«
»Ja, soweit meine Erinnerung das zulässt, mach’ ich da mit.«
»Als Andrea das erste Mal nach seiner Tätigkeit zur Zeit des Nationalsozialismus gefragt hat, wie habt ihr da reagiert?«
»Ich hab’ gar nicht reagiert, weil ich das nicht wollte.«

Die schweigende Generation. Jens Schanze fragt weiter. Und immer wieder öffnet sich ein kleiner Riss in der Erinnerung der Mutter, immer wieder bricht die glatte Oberfläche der Kindheitserinnerung, der Erinnerung an Ihren Vater auf. Kaum wächst der Verdacht, dass Jens Schanze Schritt für Schritt jeden Fehler in der Erinnerung seiner Mutter nachweist, wird die Kamera sanfter.

In Winterkinder geht es um die Erinnerung an Großvater und seine gesellschaftliche Rolle im Nationalsozialismus. Und doch ist Winterkinder nicht nur ein weiterer Film, der sich mit der deutschen Geschichte beschäftigt. Winterkinder ist vor allem ein Film über das Erinnern.

Winterkinder. Der Film beginnt im Winter. Unter dem Schneemantel verliert die Landschaft ihre harten, detailreichen Konturen. Ähnlich ist es mit der Zeit, sie hat sich über die Erinnerung an Großvater gelegt. Wenn es wärmer wird schmilzt der Schnee und die verdeckten Details erscheinen wieder. Der Film endet im Sommer. Der Mantel, den die Zeit über die Erinnerung gelegt hat ist (nun) geschmolzen.

Am Schluss, als der Film eigentlich zu Ende ist, arbeitet Jens Schanze zum ersten Mal mit Musik. Musik Erik Saties. Es bleibt ein ruhiger Moment, ein Moment der Stille und des Fragens – vielleicht auch nach der eigenen Erinnerung.

D 2005. R,B,S,P: Jens Schanze. K: Börres Weiffenbach. M: Erik Satie. Tiberius. 99 Min.